50 mejores películas de acción de todos los tiempos

"¡Acción!" Es la palabra clave que los realizadores dicen al comienzo de cada toma, mientras el elenco cobra vida ante la cámara. La acción es precisamente lo que distingue a las películas de la fotografía fija, y aunque a Hollywood le tomó algunas décadas descubrir qué era realmente una “película de acción”, el género tiene sus raíces en los orígenes del medio (adelante, Google la primera película de Thomas Edison, “Boxing Cats”, o imagínese al forajido disparando su pistola directamente a la cámara al final de “El gran robo del tren” de Edwin S. Porter).

Ahora, cuando se trata de las mejores películas de acción de todos los tiempos, el listón está mucho más alto. Al leer la lista de Variety, aprenderá un par de cosas sobre cómo ha evolucionado la forma a lo largo de los años. Arnold, Sly y Bruce (tanto Lee como Willis) dejaron su huella. Pero Chuck Norris y Burt Reynolds han quedado eclipsados, ya que cada película de esta lista tuvo que resistir la prueba del tiempo. Nos encantan los clásicos de los hermanos Shaw, por ejemplo (“King Blood” y “The 36th Chamber of Shaolin” se acercaron), pero las películas de artes marciales han evolucionado tanto que otros títulos ocuparon su lugar.

Es posible que se sorprenda por las cosas que excluimos, incluidas películas con grandes escenas de acción (como “Harry el sucio” o las películas de Marvel) que en última instancia quedaron ligeramente fuera del género, mientras que otras que tal vez no se hayan comercializado como películas de acción per se (como como la mejor película de Paul Greengrass) pasó el corte. "Cortar", por supuesto, es la palabra de acción que finaliza cada toma. Entonces, sin más preámbulos, aquí está la lista de Variety de las 50 mejores películas de acción de todos los tiempos.

James Bond había estado en una mala racha desde la deslucida película de 1974 "El hombre de la pistola de oro". Pero la tercera vez que Roger Moore interpretó al agente secreto terminó siendo uno de los mayores placeres para el público de 007, ya que el director de "Sólo se vive dos veces", Lewis Gilbert, regresó a la franquicia, emparejando al agente secreto con su homóloga rusa XXX, también conocida como Anya Amasova (Barbara Bach). ), que fue el complemento perfecto para el elegante espía de Moore. La película está repleta de grandes escenarios, como la escena de esquí retro-cool previa a los créditos ambientada en pendientes traicioneras, una persecución de coches escandalosamente divertida en la que el Lotus Esprit de Bond se convierte en un submarino y un tiroteo masivo en un camión cisterna con decenas de marineros. Además, presenta a uno de los mayores enemigos de Bond, el aterrador Tiburón con boca de metal. - NOSOTROS

Tom Cruise hace mucho que se había establecido como un conejillo de indias dispuesto a realizar todas y cada una de las acrobacias físicas que desafían a la muerte cuando llegó el momento de seguir su primer éxito de taquilla, "Top Gun", entonces, ¿por qué no volaría los barcos reales de la Armada que pilotean los personajes? en “Disidente”? En asociación con el director Joe Kosinski, quien incorpora cámaras en cada rincón de la cabina para lograr una autenticidad total, Cruise pone a sus coprotagonistas a través del entrenamiento de aviación y genera imágenes aéreas como prácticamente ninguna jamás vista en la pantalla, al menos en la práctica, llevando al público a dar un paseo. eso no sólo hizo que la secuela valiera una espera de 36 años, sino que “salvó el cine” en un momento en el que el tipo de espectáculo que ofrecía la película se consideraba tan obsoleto como Pete Mitchell, su veterano piloto. — TG

Esta actualización de la clásica serie de televisión de los años 60 salta de la premisa original a un juego del gato y el ratón entre los viejos gruñones Harrison Ford y Tommy Lee Jones. Dirigida por Andrew Davis, quien dio un salto de prestigio con las fotos de Steven Seagal y Chuck Norris, la película está protagonizada por Ford como el Dr. Richard Kimble, un hombre acusado falsamente de matar a su esposa. Después de escapar durante el descarrilamiento de un tren explosivo, Kimble huye del tenaz ayudante del mariscal estadounidense de Jones. Es una maravilla ver a estas dos superestrellas volverse pulposas, corriendo en grandes escenas en las escaleras, en los tejados y durante un desfile. El punto culminante de la película es un breve tête-à-tête entre los protagonistas en una alcantarilla, con Kimble proclamando su inocencia y Gerard, siempre el profesional, respondiendo rotundamente: "No me importa", antes de que Kimble dé un gran salto sobre Cheoah. presa en la cascada de abajo. - NOSOTROS

Este clásico polvoriento y grasiento sigue las aceleradas aventuras de Kowalski (Barry Newman), un conductor de reparto acelerado, compitiendo con la policía y todos los demás en la carretera para llevar un Dodge Challenger de Colorado a San Francisco en un tiempo récord. Llena de acrobacias salvajes, personajes coloridos, chasis aplastados y trabajo de cámara intrépido, la carrera del director Richard C. Sarafian y el director de fotografía John Alonzo por el suroeste se ha ganado una reputación de culto como uno de los paseos más ruidosos del cine estadounidense y una meditación sobre la naturaleza del ser. dependiendo de cómo digieras el final salvaje. De cualquier manera, la gasolina atraviesa la pantalla en este viaje a través del infierno y de regreso. - NOSOTROS

Entre el derramamiento de sangre y las explosiones, la acción tiende a ser un género muy feo. No de la forma en que Zhang Yimou lo plantea. En el giro lujoso y visualmente deslumbrante del director chino sobre las películas wuxia, trata el combate como si fuera danza (¿o es al revés?), reclutando a algunos de los principales talentos de artes marciales de Asia: Jet Li, Maggie Cheung, Tony Leung, Zhang Ziyi y Donnie Yen: para demostrar cómo, con la coreografía y el trabajo con cables adecuados, el sparring se convierte en un acto creativo. La complicada trama le permite a Zhang organizar varias batallas que desafían la gravedad, cada una con un tema de color diferente, mientras el héroe anónimo de la película se posiciona a 10 pasos mortales de un rey belicista. Ya sea cometiendo un doble suicidio en la cima de una montaña de roca roja o defendiéndose de flechas con largas mangas de seda, las imágenes poéticas equivalen a la acción espectacular más suntuosa del cine. — PD

Un cambio masivo con respecto a la película de 1982 que inició la franquicia “Rambo” –un retrato más psicológico en el que el traumatizado veterano de la guerra de Vietnam interpretado por Sylvester Stallone usa sus habilidades para evadir una persecución a escala relativamente pequeña– la “Parte II” envía al soldado de regreso a Vietnam. para salvar prisioneros de guerra. Enormemente musculoso y disparando munición como si tuviera un suministro ilimitado (un estilo que llegó a definir las películas de acción de palomitas de maíz de los 80), presenta una secuela que apaga parte de su cerebro para traer grandes asesinatos y explosiones al frente. Las escenas son imborrables, desde Rambo usando flechas explosivas que causan un caos masivo hasta una emocionante escena de pelea con helicópteros, consolidando el lugar de la estrella de “Rocky” junto a las corpulentas estrellas de cine de la época. - NOSOTROS

¿Quién dijo que una película de acción tenía que consistir en fuegos artificiales que se movían rápidamente? En el thriller brillantemente ejecutado de Fred Zinnemann, el personaje central es un asesino profesional, interpretado con suave amoralidad por Edward Fox, quien es contratado por un grupo de militantes clandestinos franceses de extrema derecha para asesinar al presidente Charles de Gaulle. La emoción audaz de la película es la forma en que une al público con el punto de vista del asesino a sueldo. Estamos mirando a sus objetivos junto con él, lo que resulta en una visión sociópata mareada que hace que la película parezca el eslabón perdido entre la película de Zapruder y los videojuegos de disparos en primera persona. — OG

¿Le sorprende ver el original de lanzamiento de la franquicia de Doug Liman en la lista en lugar de las secuelas de Paul Greengrass? Volvimos y las vimos todas y, para nuestra sorpresa, la primera película es mejor de lo que normalmente creemos. Desde ese momento clásico en el banco del parque cuando el asesino amnésico interpretado por Matt Damon descubre que es un arma letal, la película encuentra a Jason Bourne corriendo por instinto a través de peleas y persecuciones que están cuidadosamente coreografiadas para no parecer coreografiadas (considere la contundente pelea en el apartamento donde un asesino se estrella contra la ventana). Por supuesto, Greengrass impulsó la forma al aportar un toque documental auténtico al material, pero esa primera película marcó la pauta, desde su trabajo de cámara ajustado y ligeramente desorientador hasta el rodaje en ubicaciones europeas reales. De hecho, “Identity” estableció uno de los pocos espías estadounidenses que rivaliza con Bond. — PD

El capo del escote Russ Meyer puede haber construido su reputación en el circuito de películas de explotación, haciendo películas lujuriosas sobre zorras tetonas, pero esta citable tacaña de 1965 ha resistido la prueba del tiempo, empoderando a los mismos personajes que el público aparentemente llegó a comerse con los ojos. El primer carrete, lleno de acción, muestra a tres bailarinas go-go corriendo hacia las salinas de California, luchando y haciendo carreras de resistencia en el polvo. Después de desafiar a un chico pulcro a una carrera, el líder del grupo Tura Satana le rompe la espalda, le roba a su novia y trama un plan para robar a un viejo loco en el desierto. Meyer de alguna manera se las arregla para tener las dos cosas, haciendo que las chicas pasen por escenas de ducha gratuitas, mientras sugiere que los chicos en pantalla son los verdaderos depredadores. Naturalmente, las mujeres no tienen problemas para mostrarles quién manda. — PD

La película única de Walter Hill es un thriller de guerra de pandillas de Nueva York hecho como si fuera un cómic psicodélico. Incriminados por un asesinato que no cometieron, los Warriors, una pandilla callejera de Brooklyn, deben viajar 30 millas desde el extremo norte del Bronx hasta su territorio de Coney Island, luchando contra diferentes pandillas coloridas en el camino. Las batallas están lo suficientemente estilizadas como para resultar balletísticas en su brutalidad; Casi se podría decir que la película tiene forma de musical. Sin embargo, su visión intensificada de la agresión tribal de Nueva York aprovechó algo a la vez estimulante e incendiario (fue una de las primeras películas contemporáneas en las que se informó sobre violencia en las proyecciones de teatro), y para cualquiera que la haya visto hay momentos que permanecen imborrables, desde el pandilla con uniformes de béisbol y caras pintadas ante la burla letal (“¡Guerreros! ¡Salgan a jugar!”) del psicópata con voz de bebé de David Patrick Kelly. — OG

El thriller de Gareth Evans de 2011 toma una premisa similar a "Duro de matar" y agrega varios de los artistas marciales más electrizantes que el público jamás haya visto: Iko Uwais interpreta a Rama, un policía novato obligado a luchar para salir de un edificio de apartamentos de 30 pisos después de su escuadrón queda atrapado dentro por el señor del crimen al que están tratando de detener. Junto con sus compañeros artistas Yayan Ruhian y Joe Taslim, Uwais exuda una velocidad y un nivel de destreza física que parece imposible, pero es el arte marcial indonesio, antes menos conocido, pencak silat, el que demuestra ser la verdadera estrella de la película, mostrando una complejidad y brutalidad implacable que pocas otras formas pueden seguir, y mucho menos la derrota. — TG

La primera expresión completa del genio de Steven Spielberg. Básicamente, lanzó su carrera dirigiendo esta legendaria película de la semana de ABC, construyéndola alrededor de una premisa que, en otras manos, podría haber sido pura película de terror desechable hecha para televisión de los años 70. Un vendedor (Dennis Weaver, con bigote de geek y gafas de aviador con armazón de alambre), que se va de viaje de negocios en solitario, conduce su Plymouth Valiant rojo por una autopista de dos carriles a través del desierto de Mojave, donde se ve amenazado por un camión cisterna destartalado cuyo conductor nunca vemos. Casi no hay diálogo, pero Spielberg organizó la película como si fuera Hitchcock en un enfrentamiento entre máquinas de metal. Su encuadre y edición son tan ingeniosos que el flujo de imágenes nunca se detiene. “Duelo” se convierte en una pesadilla poética y de suspenso oscuramente divertida, como una película más pausada de “Mad Max” hecha con sólo dos vehículos. El camión, que arroja gases de escape, sigue siendo una fuerza inescrutable, pero en realidad es el primero de los grandes monstruos de Spielberg, un precursor del tiburón de “Tiburón”. — OG

Una línea del diálogo de Tom Hardy en “Inception” (“No debes tener miedo de soñar un poco más grande, cariño”) ha parecido durante mucho tiempo ser la luz guía del director Christopher Nolan. Llegando entre “The Dark Knight” de 2008 y “The Dark Knight Rises” de 2012, las expectativas eran escandalosamente altas para este misterioso thriller de acción impulsado por el machismo que se desarrolla en una intrincada muñeca de sueños dentro de sueños. Leonardo DiCaprio interpreta a un ladrón que extrae información de cerebros desprevenidos, y el concepto elevado se elevó con algunas de las imágenes más innovadoras desde “The Matrix”. Las paredes se mueven y los cuerpos vuelan durante los tiroteos; el tiempo se utiliza como arma mientras criminales bien vestidos se adentran más en los sueños; y una escena de persecución empapada de lluvia se ubica entre las escenas más emocionantes de Nolan. - NOSOTROS

La segunda película marca el punto culminante de la épica película y serie de televisión del director Tsui Hark, protagonizada por Jet Li como el heroico artista marcial Wong Fei-Hung, quien, junto con Siu-kwan (Rosamund Kwan) y Leung Foon (Max Mok), debe derrotar. la sectaria Secta del Loto Blanco y el malvado Nap-lan Yun-seut (Donnie Yen). Como era de esperar, las escenas más importantes de la película presentan a Li y Yen en combate, y la “Parte II” presenta el mejor combate de la serie, alambres de alto vuelo y movimientos fantásticos que agregan profundidad y fantasía a la historia. El enfrentamiento entre estas dos leyendas da como resultado una película hermosa e inolvidable, llena de clase y golpes duros. - NOSOTROS

Es la mejor película de James Bond, aparte de los clásicos de Sean Connery (hay días que pensamos que es mejor que ellos) porque es la más dramáticamente vibrante y compleja. Pero incluso cuando el hosco 007 de mandíbula granítica interpretado por Daniel Craig, en su primera salida, se abre camino a través de una telaraña de espionaje increíblemente complicada, que abarca un romance inquietante y el mayor enfrentamiento en una mesa de póquer jamás filmado, la acción en “Casino Royale” se convierte en una expresión pura de ese drama de alto riesgo, desde el sorprendentemente brutal asesinato inicial que le otorga a Bond su licencia para matar hasta la extasiada fanfarria de parkour que pone la película en marcha, hasta el casi envenenamiento de Bond durante el juego de cartas. El asombroso clímax de la película, con todo un palacio de Venecia temblando y derrumbándose ante tus ojos. — OG

Con el debido respeto al capitán Jack Sparrow de Johnny Depp, nadie empuñó un machete mejor que el héroe de acción original de Hollywood, Douglas Fairbanks. En este clásico mudo de 1926 (una película en color poco común en su época), la estrella de “La marca del Zorro” interpreta a un marinero que busca venganza por la muerte de su padre a manos de una codiciosa banda de piratas, abriéndose camino entre sus filas. Una vez a bordo de su barco, se enamora de una princesa secuestrada y cambia sus planes para rescatarla. El manejo de la espada todavía impresiona todos estos años después, aunque es el movimiento característico de Fairbanks (lazarse dramáticamente hasta el mástil y luego deslizar su espada por las velas del barco, lo que hace no una sino tres veces) el que sigue siendo el más icónico. — PD

Como un potente auto que ha sido mejorado gradualmente después de cada carrera callejera, la franquicia “Fast & Furious” ha pasado por varias fases distintas a lo largo de sus dos décadas de carrera, desde la acción de carrera callejera simple y mezquina de “Tokyo Drift” hasta el “ Las travesuras del espacio exterior al estilo Looney Tunes de secuelas posteriores. Dicho esto, casi todo el mundo está de acuerdo en que la más divertida es la quinta película, que traslada el telón de fondo a Río de Janeiro. Al presentar a Dwayne Johnson como rival para el machismo de Vin Diesel (y preparar al adversario aún más salvaje que interpretó Jason Momoa en “Fast X”), esta entrega reunió a la pandilla para robarle 100 millones de dólares a un jefe criminal brasileño. El escenario culminante los ve arrancando la bóveda de una estación de policía y arrastrándola por la ciudad. — PD

El director alemán Tom Tykwer ofrece 80 minutos de pura adrenalina en esta ingeniosa máquina de movimiento perpetuo, diseñada en torno al más simple de los ganchos: una mujer ingeniosa con el pelo rojo como una boca de incendios (Franka Potente) tiene 20 minutos para conseguir 100.000 marcos alemanes. o la tostada de su novio. El tiempo corre mientras su mente recorre tres escenarios imprudentes, que se desarrollan en rápida sucesión. A veces, parece como si la película apenas pudiera seguir el ritmo de su heroína punk impulsada por el tecno, jugando todo tipo de trucos estilísticos salvajes con la cámara (incluso cambiando a animación en un momento) mientras se divide en tangentes para sugerir el destino de los extraños cuyos caminos cruza. — PD

Las películas de acción, en caso de que te lo preguntes, no siempre fueron escandalosamente escandalosas en su depravación del recuento de cadáveres. Esa definición directa y exagerada de acción se fue infiltrando gradualmente, surgiendo de diferentes géneros (justicia solitaria, artes marciales, caos de persecución en la carretera), que finalmente se fusionaron en la nueva normalidad. Y “Commando” marcó el momento en que sucedió, cuando la acción contemporánea chocó contra una masa crítica de locura grandilocuente. Arnold Schwarzenegger interpreta a un oficial retirado de Operaciones Especiales (nombre: John Matrix!) cuya hija (Alyssa Milano, de 12 años) es secuestrada por mercenarios centroamericanos, que intentan obligarlo a cometer un asesinato político. En lugar de eso, se desliza fuera de un avión durante su despegue y se apodera de autos, lanzacohetes y gotas de pintura grasa de combate, salpicando la pantalla con su furia vengativa (para que conste, mata a 81 personas). Hay algunas líneas dignas de Arnold. pantheon (“¿Recuerdas la última vez que prometí matarte? Mentí”), y refuerzan la noción entonces novedosa de que todo el delirante espectáculo kamikaze de petardos de sangre era, en cierto nivel, una broma. — OG

Probablemente la influencia preeminente en “Malditos bastardos” de Quentin Tarantino, el deprimente y sucio thriller de la Segunda Guerra Mundial de Robert Aldridge es más famoso por su jugosa premisa pulp: una docena de los convictos militares más sucios e irredimibles imaginables son sacados de prisión y entrenados como Comandos para una misión suicida. La primera mitad de la película es como la secuencia de entrenamiento básico de “La chaqueta metálica”, organizada por una malhablada revista Mad. Pero cuando nuestros antihéroes se lanzan en paracaídas a Francia, donde deben infiltrarse en un castillo y matar a tantos oficiales de la Wehrmacht como sea posible, la película se convierte en una pieza conmovedoramente desesperada de bravuconería de acción renegada. El momento más memorable: Jim Brown tratando de correr hacia un lugar seguro después de lanzar una fatídica granada. — OG

Tiene la secuencia más emocionante de cualquier película de “Misión: Imposible”: el movimiento extendido de Ethan Hunt sobre la superficie del Burj Khalifa, el edificio más alto del mundo (2,717 pies de cristal de obsidiana que se hunde en Dubai), una escena de no mirar hacia abajo. hazaña que Tom Cruise realmente realizó, en lo que sigue siendo el más audaz de sus famosos trucos. Pero la cuarta y mejor entrada de la serie “M:I” es más que un simple pedestal para esa vertiginosa hazaña. El director Brad Bird dota a toda la película de una inestabilidad vertiginosa y trampilla que convierte al público en una parte íntima de la acción. — OG

Pam Grier obtuvo el estatus de leyenda por su interpretación de Foxy Brown, una mujer que no teme perseguir a los narcotraficantes blancos que mataron a su novio en este descarnado clásico de blaxploitation. Citable sin cesar (hasta su fantástica última línea: "La muerte es demasiado fácil para ti, perra. ¡Quiero que sufras!"), la película está llena de estilo, el estilo inimitable de Foxy y algunos momentos verdaderamente subversivos de venganza y violencia caótica. . Inmediatamente después de “Coffy”, la creciente actuación de Grier fue tan exitosa que elevó los papeles femeninos en las películas de acción en general. Combine esto con el giro icónico de Grier en “Jackie Brown” de Quentin Tarantino de 1997 para una noche de cine perfecta. - NOSOTROS

Después de la bravura de “Mad Max” y “The Road Warrior”, el guionista y director George Miller tropezó un poco en “Mad Max Beyond Thunderdome” (1985). Tal vez es por eso que le llevó 30 años encontrar el coraje necesario para recuperar esa ventaja en “Fury Road”. En espíritu, la cuarta película de “Mad Max” es de la misma pieza que “The Road Warrior”, cuando Imperator Furiosa de Charlize Theron, tomando las riendas de un ahora catatónico Max (Tom Hardy), lidera una loca persecución a través del desierto. Pero las escenas de acción son algo a la vez clásico y nuevo: más crueles, más rápidas y más combustibles que antes, editadas con una precisión de una fracción de segundo tan explosiva que tu ojo casi no puede captarlo todo en una sola vista. “Fury Road” tiene la emoción trepidante de un viaje que ves, vives y dominas. — OG

Jackie Chan recurrió a años de experiencia práctica en acrobacias al dirigir este thriller policial, combinando sus instintos cómicos con una sorprendente habilidad acrobática, lo que le ha valido comparaciones con Buster Keaton. La trama de la película sirve como poco más que un marco en el que colgar varias escenas del salón de la fama, en particular la persecución inicial, en la que Chan cuelga de un autobús en movimiento, y el enfrentamiento culminante en el centro comercial, que no deja ningún rastro. ventana intacta o el malo intacto. El entrenamiento de Chan le permitió realizar movimientos complicados en una sola toma que otras estrellas seguramente engañarían confiando en dobles de cuerpo y edición, como el valiente salto y el largo deslizamiento del palo que hace que Chan se estrelle contra un techo de cristal. — PD

Hoy en día, el mundo lo conoce como John Wick, pero todavía estábamos averiguando qué hacer con Keanu Reeves, la estrella de “Bill y Ted”, cuando contrató su primera película de acción. El papel se prestó a la presencia ligeramente incómoda de la estrella en la pantalla, mientras el arrogante novato del FBI Johnny Utah comienza a surfear como una forma de resolver una serie de robos a bancos por parte de rebeldes con máscaras de goma de ex presidente. Eso significa acercarse a una pandilla de temerarios liderados por la estrella de “Dirty Dancing” Patrick Swayze, mostrando al público una serie de movimientos completamente nuevos. La brillantez del diseño de la película, un poco tonta, es que incluso las escenas bajas se sienten cinéticas, ya que la mayor parte se dedican a surfear. ¿Y el que orquesta toda esa testosterona? Esa sería la futura directora de “Hurt Locker”, Kathryn Bigelow. — PD

Puede parecer poco sincero o insensible calificar el gran docudrama de Paul Greengrass sobre el secuestro de un vuelo de United Airlines por terroristas de Al Qaeda el 11 de septiembre de 2001 como una “película de acción”. Sin embargo, parte del poder revelador de la película es que es una; nos sumerge en lo verdadera y profunda que puede ser una experiencia de película de acción. En su forma, la situación de la que trata “United 93” no está tan alejada de la configuración del “Air Force One”. Pero Greengrass funciona en un estilo portátil tan espontáneo como fascinantemente psicológico, colocándonos en la piel de los civiles que arriesgaron sus vidas para evitar que los terroristas que habían secuestrado el avión lo estrellaran contra el Capitolio de los Estados Unidos. La tremenda importancia de la película nunca abruma su humanidad, una cualidad que se extiende a su interpretación de los terroristas. — OG

Desde el pulso inicial de la partitura con sintetizador del director John Carpenter hasta el explosivo final en el sótano de una estación de policía fuera de servicio, el segundo largometraje del maestro del género estadounidense es una clase magistral sobre cómo ofrecer emociones con un micro presupuesto de sólo 100.000 dólares. La película se desarrolla como un western moderno, mientras un puñado de policías intenta controlar el fuerte, superados en armas y en número por miembros de la pandilla Street Thunder. Después de una atrevida escena en la que un grupo de pasajeros dispara y mata a una niña a sangre fría, el público se da cuenta de que nadie está a salvo, lo que genera el asedio culminante, en el que los policías no tienen más remedio que reclutar a un par de criminales en el camino al corredor de la muerte. tanto más emocionante. — PD

Después de que su esposa e hijo son crucificados por el corrupto Cómodo (Joaquin Phoenix), Maximus de Russell Crowe solo tiene una motivación: vengarse, momento en el cual estará listo para morir. Mientras Maximus se convierte en esclavo y gladiador, la actuación de Crowe adquiere un poder especial e infernal. Y es su matonismo real implacable y entrecerrado lo que alimenta las extraordinarias escenas de acción del espectáculo romano de Ridley Scott. Maximus no sólo está enojado: está poseído. En el anillo empapado de sangre del Coliseo, se encontrará y masacrará todo lo que le arrojen. Scott escenifica los enfrentamientos de gladiadores con una innovación CGI que sigue siendo impresionante, pero lo que los hace tan apasionantes es que lo que está en juego en una película de acción nunca ha sido tan alto. — OG

La acción no tiene por qué requerir gran velocidad. Un ejemplo: el apasionante clásico de suspense de Henri-Georges Clouzot, en el que cuatro hombres desesperados encargados de transportar camiones cargados con nitroglicerina altamente combustible a lo largo de 500 km de terreno lleno de baches descubren que moverse lenta y cuidadosamente es la única forma de evitar volar por los aires. alto. La misión tarda casi una hora en comenzar (recortada para el estreno original de la película en Estados Unidos, que sacrificó parte de la crítica política de Clouzot). Una vez que lo hace, el público apenas quiere moverse de sus asientos, por temor a provocar una explosión. Un giro arriesgado sobre una plataforma de madera podrida proporciona la escena más tensa de la película, mientras Yves Montand retrocede con su camión hasta el borde. — PD

La autodenominada “LA Crime Story” de Michael Mann puede presentar algunas de las escenas más asombrosas en la historia del cine de acción, pero el pegamento que la mantiene unida es la especificidad de sus personajes, que navegan por el mundo de acuerdo con códigos personales que son desafiados. por sus adversarios, e inevitablemente, por ellos mismos. Además del épico trabajo bancario, que se extiende a las calles del centro de Los Ángeles para un tiroteo al aire libre de alto calibre en el que policías y ladrones disparan ametralladoras desde detrás de autos abandonados, hay un tenso choque con un camión blindado y la mano final. a-mano entre los íconos del cine policial Al Pacino y Robert De Niro. La conceptualización de Mann de los atracos, su intercepción por parte de las autoridades y el choque que se produce entre ellos hace que el público se emocione ante el peligro, incluso cuando los obliga a tomar partido entre personajes que llegan a admirar y temer en igual medida. — TG

Ang Lee estaba apenas en las etapas incipientes de convertirse en un camaleón del género cuando decidió hacer una de las mejores películas wuxia de todos los tiempos, ungiendo a la estrella en ciernes Zhang Ziyi con la ayuda de tres leyendas de la acción asiática: Chow Yun-Fat, Michelle Yeoh. y el pilar de los hermanos Shaw, Cheng Pei-pei. Combinando un trabajo de ballet efímero con tradiciones culturales y filosóficas, sin mencionar el romance agridulce de múltiples niveles, la película cautivó aún más a un mundo ya cautivado por las influencias de Hong Kong en "The Matrix", ofreciendo una versión de la muerte (y la física). -) desafiando emociones que eran auténticas y suntuosas sin estar encerradas en cuero ceñido y música tecno. — TG

El western tremendamente violento de Sam Peckinpah muestra a un grupo de pistoleros ancianos, pero la historia simple está acompañada de imágenes deslumbrantes. Los hombres gritan, la sangre salpica, los huesos crujen con escandaloso detalle mientras los vaqueros son destrozados por pistolas, rifles e instrumentos de muerte aún más grandes. Más allá del derramamiento de sangre, “Wild Bunch” se define por la innovadora edición de Louis Lombardo durante los tiroteos, mezclando una mezcla cinética de velocidad y cámara lenta, abalanzándose en ciertos momentos y lanzándose hacia otros en una carnicería de ballet. Estrenada dos años después de que “Bonnie y Clyde” dejaran a sus antihéroes acribillados a balazos y sangrando en el polvo, la película nominada al Oscar alcanzó un crescendo aún más espectacular, marcando una ruptura clara y permanente con los westerns relativamente mansos que habían llegado antes. - NOSOTROS

A veces, una escena puede elevar una película a la gloria, y la epopeya religiosa “Ben-Hur” será recordada para siempre por su impresionante e innovadora carrera de carros; sin lugar a dudas, una de las mejores escenas de acción jamás filmadas. La pompa y las circunstancias que precedieron al evento muestran la gran escala de la multitud, la pista, los caballos, los combatientes. Una vez que comienza la competencia entre Judah Ben-Hur (Charlton Heston) y Messala (Stephen Boyd), los radios suenan y levantan tierra durante los giros de vida o muerte, mientras Messala intenta derribar a Ben-Hur con una espada en su rueda. . Pero cuando una de las ruedas de Messala sale volando, su carro es destruido y es arrastrado detrás de sus caballos antes de ser pisoteado por un rival, un momento que lo induce a retorcerse y deja su cuerpo maltratado y sangrando. - NOSOTROS

Las lecciones que James Cameron aprendió en “Aliens” las aplicó a esta secuela de “The Terminator”, remezclando subversivamente la misma estructura de la historia que en la primera película y luego amplificándola en un factor de diez: lo que sucedió durante la ronda original. Una tensa persecución callejera por algunos callejones oscuros se convierte en un extenso enfrentamiento entre David y Goliat entre un camión Mack y un par de motocicletas en los canales del río Los Ángeles, y a partir de ahí solo se vuelve más grande. Aprovechando cada gramo de experiencia técnica (y libertad comercial) que había adquirido hasta ahora en su carrera, Cameron no sólo reimagina hábilmente como un héroe el Terminator de Schwarzenegger, uno de los mayores villanos en la historia del cine de ciencia ficción, sino que luego crea un segundo para Superarlo con el T-1000, lo que lleva a un enfrentamiento épico que hace que el negocio de los objetos inamovibles y las fuerzas imparables parezca una pelea de empujones en un patio de recreo, que es también uno de los muchos lugares en los que Cameron literalmente explota. — TG

Sergio Leone hizo demasiadas obras para que cualquiera de ellas fuera la verdadera magnum entre ellas, pero este clímax de su trilogía "Dólares" se acerca bastante. Refinando su técnica en las dos primeras películas, difunde estilo en el lienzo más grande de su carrera en ese momento, nada menos que la Guerra Civil estadounidense, para un enfrentamiento operístico entre el vagabundo Blondie de Clint Eastwood, el mercenario Angel Eyes de Lee Van Cleef y el bandido de Eli Wallach. Tuco. Cada tiroteo se siente más emocionante que el anterior, ya que Leone combina hábilmente la edición con precisión de metrónomo y la música envolvente de Ennio Morricone, generando una recompensa catártica de imágenes y sonido. — TG

Es irónico que el director de Hong Kong, John Woo, esté tan asociado con las palomas; cuando se trata de violencia, sin duda es un halcón. Una exhibición explosiva de técnicas frecuentemente imitadas, cuya influencia resonó en todo el mundo (incluyendo cámara lenta gratuita y saltos en el aire con pistolas disparando en ambas manos): "Hard Boiled" fue la última de las películas que Woo hizo antes de que Hollywood lo cortejara. West para dirigir a personajes como John Travolta y Nicolas Cage (en “Face/Off”, escandalosamente exagerada pero descaradamente agradable). Aquí, los personajes de Chow Yun-fat y Tony Leung pasan la primera hora tratando de matarse entre sí, hasta que se dan cuenta de que ambos están trabajando para el mismo lado. Teniendo en cuenta el sangriento recuento de cadáveres de la película, es perfecto o perverso que el final ocurra en un hospital. — PD

En los últimos años, la reputación fuera de la pantalla de Errol Flynn como el máximo fiestero depravado del viejo Hollywood ha estado a punto de eclipsar su magia en pantalla. Pero si regresas y miras el encantador espadachín en tecnicolor de Michael Curtiz, verás que Flynn era nada menos que el héroe de acción definitorio de las películas, con un descaro despreocupado que convierte los duelos con espadas de Robin Hood en algo increíblemente ingenioso y emocionante. Flynn, que convierte las justas en una forma de baile, parece estar pasando el mejor momento de su vida y su espíritu es tan contagioso que “Las aventuras de Robin Hood” a menudo parece ser la película de acción más feliz jamás realizada. — OG

Trabajando en casi su lienzo más grande hasta la fecha, el collagista de cultura pop Quentin Tarantino sintetiza las influencias de los spaghetti westerns de Leone, "Lady Snowblood", películas de samuráis, algunas décadas de películas de los hermanos Shaw y mucho más en un "estruendoso alboroto de venganza". “Eso es a la vez divertido, estimulante y emocionalmente devastador. Con la estrella de “36th Chamber of Shaolin”, Gordon Liu, en no uno sino dos papeles junto a su “musa” Uma Thurman, Tarantino destaca a los héroes, en la pantalla y detrás de la cámara, que lo inspiraron. Pero incluso en un nivel puramente visceral, su sentido de la cámara y la coreografía de la leyenda de Hong Kong Yuen Woo-Ping producen piezas que están a la altura de las de sus antepasados, rindiendo homenaje a su sangrienta inspiración y algo más. — TG

De todos los actores que han encarnado a James Bond, Sean Connery sigue siendo el más icónico, ya que equilibra la fuerza bruta con una sofisticación imperturbable. He aquí un tipo que puede mantener la calma de manera convincente, incluso atado a una losa con un rayo láser acercándose poco a poco a su entrepierna. Al principio, la franquicia todavía estaba decidiendo qué forma tomar, pero para su tercera misión, todos los elementos estaban firmemente en su lugar: un villano memorable (en el thriller de 14 quilates de Gert Frobe), un secuaz letal (ese sería Oddjob, con el bombín con punta afilada), una adversaria salvaje (Pussy Galore), además de todo tipo de juguetes de alta gama (ninguno mejor que su Aston Martin trucado). Aunque a veces es tonta, esta salida marcó el estándar de oro, no sólo para Bond, sino para todas las películas de espías. — PD

Después de trabajar como director de fotografía para artistas como Ridley Scott, John McTiernan, Richard Donner y Paul Verhoeven, Jan De Bont se graduó como director con este inesperadamente encantador sistema de entrega de adrenalina protagonizado por Keanu Reeves y la entonces valiente recién llegada Sandra Bullock sobre un autobús que se abre camino a través de Los Ángeles está azotado por el tráfico mientras un loco interpretado por Dennis Hopper amenaza con volarlo por los aires si disminuye la velocidad. De Bont equilibra sin esfuerzo la tensión de su premisa unidimensional con las personalidades tanto dentro como fuera del autobús tratando de descubrir cómo detenerlo de manera segura, creando piezas que parecen más absurdas que las anteriores pero que nos hacen emocionarnos al final. bravuconería descarada de su ejecución. Si “Tiburón” hizo que los cinéfilos no quisieran volver a meterse en el agua, esta película les hizo pensar dos veces antes de tomar el transporte público. — TG

En pocas palabras, nunca había habido una persecución de coches como ésta. Comienza en el distrito Mission de San Francisco, con el detective de policía Frank Bullitt (Steve McQueen) saltando a su Ford Mustang GT, que conduce a toda velocidad para perseguir a un sicario hasta las afueras de la ciudad. Nunca se detiene, pero lo revolucionario es que la escena de la persecución en sí nunca se detiene, corriendo una y otra vez durante lo que, en aquel entonces, parecieron 10 minutos y 53 segundos delirantemente interminables. McQueen siempre está al volante, por lo que creemos en cada giro que vemos, con los saltos de los autos sobre las colinas de San Francisco dándole a todo una inestabilidad emocionante. Sin embargo, la dimensión revolucionaria de “Bullitt”, que se convirtió en el prototipo de casi todos los escenarios vehiculares posteriores, es la forma en que permitió que la velocidad, la acción y la emoción de la persecución simplemente se apoderaran de la película, como si nada más importara. . — OG

Una película tan profundamente importante para la historia del cine que es difícil imaginar una película moderna sin ella, la obra maestra de Kurosawa sienta las bases de innumerables películas de hombres con una misión a seguir. La historia es simple, ya que un grupo de maestros samuráis jura proteger una aldea de los bandidos. ¿Pero te encanta la escena de "reunir al equipo"? Kurosawa lo hizo primero. ¿Personajes dispuestos a sacrificarlo todo por el honor? Kambei (Takashi Shimura) y sus hombres están listos. ¿Secuencias de acción épicas, bellamente filmadas y con un ritmo impecable? Esta película marcó la pauta. Al traducir aspectos del western estadounidense a un cuento histórico japonés, Kurosawa creó un modelo para innumerables éxitos de taquilla, incluido un western real, "Los siete magníficos", unos años más tarde. - NOSOTROS

Aprovechando la premisa de "Alien", cada secuencia de la secuela de James Cameron aumenta la tensión con una precisión experta, y luego la recompensa con una violencia intensa y espantosa que siempre se siente más ligada a la humanidad de los personajes que a la humanidad de los personajes. la fetichización de sus xenomorfos genocidas epónimos (ya sea por los venales señores corporativos de Weyland-Yutani o por el propio Cameron). Mientras tanto, al regresar al papel de Ellen Ripley, Sigourney Weaver no solo se mantiene firme sino que demuestra ser una líder capaz e ingeniosa para un número cada vez menor de marines inicialmente demasiado confiados, lo que lleva a un enfrentamiento entre figuras maternas dispuestas a hacer cualquier cosa para proteger a sus hijos. Visceral, narrativa y temáticamente rico, Cameron elevó el listón a un nivel que la serie siempre perseguiría en adelante, pero que nunca alcanzaría. — TG

Sintetizando todo, desde ciencia ficción cyberpunk hasta videojuegos y películas de acción de Hong Kong, los Wachowski reconfiguraron lo que había sucedido antes, introduciendo una nueva y elegante estética que no solo representaba el futuro, sino que influyó en los códigos de la moda y el cine durante las próximas décadas. Después de “Star Wars”, esta es la franquicia cinematográfica que más se ha acercado a establecer un culto religioso a su propia imagen, ya que los fanáticos aprovecharon los elementos cuasi espirituales/filosóficos de la película. Para la mayoría, el atractivo clave vino de ver cómo los Wachowski escenificaron los espectaculares tiroteos en el tiempo de la película, que le dieron a Neo de Keanu Reeves la capacidad de trascender la física, la misma fuerza que había limitado lo que el género era capaz de hacer, como lo hizo él. Batalla con legiones de agentes vestidos de negro. No es coincidencia que los directores de “John Wick” y “Atomic Blonde” comenzaran a realizar trabajos de acrobacias en esta franquicia. — PD

Si tuviéramos que clasificar las mejores secuencias de acción en la historia del cine, podríamos argumentar que la legendaria persecución de autos de “French Connection”, con Popeye Doyle interpretado por Gene Hackman conduciendo a velocidades imprudentes para atrapar a un sicario en el tren subterráneo elevado de arriba, debería ser acercarse al número uno. El resto de la película es más tranquilo de lo que recuerdas, pero la electrizante autenticidad de esa secuencia sigue siendo casi incomparable. Parece estar sucediendo en calles reales, en tiempo real, con autos reales siendo seriamente destrozados. Sin embargo, lo que en última instancia hace que la secuencia sea tan singular son las emociones detrás del volante: la implacable necesidad de Popeye de atrapar al asesino, lo que lleva la persecución a una velocidad maníaca. — OG

Bruce Lee ya había estrenado tres exitosas películas de acción en Hong Kong, una de las cuales dirigió, antes de unirse al vehículo estrella internacional de Robert Clouse para Warner Brothers. Centrada en un torneo de artes marciales de alto perfil organizado por un presunto señor del crimen, la película no solo le dio a Lee la plataforma perfecta para mostrar los fundamentos físicos y filosóficos del estilo Jeet June Do del que fue pionero, sino que también presenta algunas secuencias de acción inolvidables e inventivas. (que también coreografió). Lamentablemente, su impacto en la carrera de Lee fue póstumo, pero “Enter the Dragon” lo inmortalizó como estrella y ofreció una puerta de entrada al cine de artes marciales que el público fuera de China no había experimentado ampliamente. — TG

Steven Spielberg y George Lucas unieron sus cerebros de gran éxito para crear al arqueólogo Indiana Jones, bromista y bromista. El dúo populista aprovechó su amor compartido por las series de aventuras de Hollywood y eligió al propio Han Solo (Harrison Ford) como el imán de aventuras con aversión a las serpientes. Su primera salida resultó ser una montaña rusa cinematográfica tan emocionante como sugiere la galopante música de John Williams, desde la emocionante secuencia inicial, en la que Indy está a un pelo sin afeitar de ser aplastado por una enorme roca, hasta el infame final, donde el tesoro que Arriesgó su vida para rescatarlo almacenado en un almacén gigante. ¿Quién hubiera pensado que seguiría robando artefactos a los nazis a los 80 años, cuatro secuelas después? — PD

Su propulsión, su aire anticuado de habilidad letal y su visión de un hombre solitario que escapa de las fuerzas del destino eran, en 1959, sorprendentemente nuevos, convirtiendo al clásico thriller de Alfred Hitchcock nada menos que en el progenitor formal y espiritual de la serie de James Bond. Pero es en la legendaria secuencia de fumigación de cultivos donde Hitchcock, traspasando los límites del peligro, reinventó lo que podría ser el cine. Mientras Roger Thornhill (Cary Grant) se encuentra en ese campo de maíz, perseguido por un avión de hélice del que de alguna manera debe escapar, una escena, por primera vez, se separa de la película que la rodea para convertirse en su propia realidad. En ese momento se plantó la semilla de todo el cine de acción moderno. — OG

Bruce Willis sangra mientras intenta rescatar a su esposa (Bonnie Bedelia) de Hans Gruber (Alan Rickman) y una pandilla que se hace pasar por terroristas alemanes trastornados, que se apoderaron de su torre de oficinas en Los Ángeles durante una fiesta de Navidad. Ver a Willis arrastrándose a través de un cristal, cubierto de cortes, marca la diferencia a la hora de distinguir a su personaje, el detective fuera de servicio de la policía de Nueva York, John McClane, de tantos héroes de acción de los 80 hinchados por esteroides: no era tanto una máquina de matar invencible como un un hombre común y corriente muy por encima de su cabeza (al público le encantó el papel, que redefinió a la estrella de la comedia “Moonlighting” como un tipo duro, y la etiqueta se mantuvo hasta su reciente retiro). Al enfrentar a un protagonista tan identificable con el gruñón y gran villano de la pantalla de todos los tiempos de Rickman, “Duro de matar” encontró una receta para una repetición infinita, cuyo telón de fondo navideño la ha convertido en una irreverente tradición anual para los superfans que no pueden tener suficiente. de las travesuras yippee-ki-yay de Willis, ya sea arrastrándose por los conductos de aire o dejando caer a los malos de los pisos superiores. — PD

En 1979, “Mad Max” de George Miller era una película de Los Ángeles del Infierno que se volvía psicótica. Se hizo con un presupuesto de autocine, pero se convirtió en un fenómeno tan global que Miller pudo transformar la secuela en algo mucho más grande, más terrorífico y más grandiosamente nihilista. Uno de los grandes espectáculos distópicos, “The Road Warrior” presenta la visión de una civilización reducida a autos remendados y supervivencia despiadada. El genio cinestésico de la película es que encarna la mismísima impiedad de ese mundo convirtiéndolo en un derbi de demolición existencial. Mientras Max, interpretado por Mel Gibson, con su ceñido traje de cuero del páramo, une fuerzas con una colonia de forajidos dispersos para escapar de Lord Humungus y su horda de hooligans, la película se intensifica hasta convertirse en la secuencia de acción más delirante jamás filmada: una persecución épica de cacharros en autos. desde el infierno, con enemigos de pesadilla como el punk Wez con crestas saltando de sus vehículos al tuyo, todo tan temiblemente sostenido que es como una única descarga de energía combustible. En “The Road Warrior”, la acción es emoción, es destrucción, es guerra, es el pulso oxidado y acelerado de la vida misma. — OG